Ci sono poi altri lavori che meritano pari attenzione, e sono quelli in cui compaiono le mani: mani che disegnano, proteggono, accudiscono, e disvelano i soggetti stessi dei disegni. Mani che fanno da appoggio, che accompagnano, che, con la loro presenza, rendono reale l’irreale.

Se i disegni in 3d ci danno l’illusione di poterli toccare, quelli canonici ci sembrano animati, nel senso letterale di “pieni di vita”.

Ok dopo questo sproloquio fine a se stesso e di una noia mortale, ma del resto la nota è la mia e ci scrivo quel che mi pare, dovrei anche fare una breve analisi musicologica di questo anno piuttosto elettrizzante ma non la faccio perché a Symon Reynolds lo pagano e a me no, perché non mi va ma anche perché, tornando un attimo seri ed intellettuali, nel 2012 son cominciate un sacco di cose che sono in divenire e si son consolidate alcune altre che stanno però prendendo direzioni nuove ed eccitanti, perciò della serie: Staremo a vedere…

Dite la verità: quando sono autoreferenziale mi adorate. Vi voglio bene.

In rigoroso ordine sparso che l’ordine mi fa venire le bolle, eccetto che per il primo posto che è davvero troppe spanne sopra qualsiasi altra cosa

1) ANDY STOTT - Luxury Problems

C’è davvero qualche sano di mente che non crede che questa sia la più straordinaria perla apparsa in questo anno talmente brutto da non meritarsela? Soul siderale iniettato endovena con sprazzi luminiscenti di eccitazione e dolore. Seminale in una terra desolata in cui il suo seme non attecchirà e lo renderà unico.

FRANK OCEAN - Channel Orange

Eh si gente, cavolo io l’avevo detto 10 anni fa: l’R'N’B americano cafone e da classifica c’ha in germe qualcosa pronto ad esplodere, è tamarro, è grezzo ma c’ha un fremere vitale e progressista che vedrete esploderà. Finalmente è successo. Il precedente Nostalgia aveva delle gemme decadenti forse persino superiori a quanto presente in questo ma nel complesso Channel Orange è il disco che da dignità storica al cosidetto R’N'B rispetto al più tradizionale Rhythm And Blues. Frank Ocean è il soul singer dell’ora e qui, il traduttore delle elettrificazioni positive e negative, l’edonismo da club fashion e la malinconia stonata di locali fumosi in cui sfogare i propri fallimenti amorosi, è kitsch ed è elegante, balla e piange, ama e scopa. Frank Ocean è la black music negli anni 10, con tutti i suoi pro e i suoi contro ma finalmente una black music che si lascia alle spalle il glorioso passato e prova ad essere altro, sdoganandosi una volta per tutte dalla presenza ingombrante dell’ Hip-Hop a tutti i costi

FIONA APPLE - The Idler Wheel Is Wiser Than The Driver Of The Screw & Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do

Io che non solo ascolto un disco di Fiona Apple ma finisco perfino per adorarlo è una cosa che da sola la dice lunga sulla qualità di questo anno…il fatto è che la tipa in questione, che se continua cosi o muore di fame o di overdose, deve essere completamente impazzita o qualcosa di simile. Un disco insospettabile e sorprendente. Cavernosa ed ossessiva, percussiva e urticante eppure a tratti dolcissima e penetrante. Dischi cantautorali, cosi lontani dalla tradizione della più classica musica popolare americana pur conservandone fieramente il nocciolo, sono una vera rarità. Speriamo solo la smetta di fumare cosi tanta erba, o forse no…

VOICES FROM THE LAKE - Voices From The Lake

Chiamatela Techno dell’anima, Techno del cuore o come diceva David Toop ai bei tempi in cui la critica musicale aveva un senso: Laghi di Suono. Eppure ci son laghi e laghi e questo è un lago solo, denso e rarefatto, con le onde che sembrano muoversi sempre lungo le stesse correnti e quando cambiano impercettibilmente te ne accorgi come fosse una scossa di vita. C’è compressa tutta l’elettronica intelligente che si possa immaginare: il minimalismo Detroitiano di vecchia e nuova scuola e i lirismi Murcofiani, accenni di tribalismo e sapori deep che ti cullano ed ammaliano. Sfumature lievi che tratteggiano il tutto. Ah e sta gente è italiana, “indi per cui” (cit.) disco italiano dell’anno.

MICHAEL KIWANUKA -  Home Again

Soul graffiato alla maniera di Bill Withers, attitudine cantautorale, echi orchestrali quel tanto che basta, atmosfera e sonorità vintage ma senza esagerare, arrangiamenti commoventi, grande intensità. Una perla vera squisitamente Pop. From Uk, come tutto il miglior soul contemporaneo del resto. L’unico difetto che ha questo disco è che manca la polvere e lo sporco. Il ragazzo però è giovane e ha ancora tempo per soffrire ed allora diventerà immenso.

KILLER MIKE - R.A.P. MUSIC

Il vero evento di questo dannatissimo anno è che finalmente c’è un disco Hip-Hop nella mia classifica. Un disco che ha il nome più azzeccato possibile perché ci sta dentro del RAP duro e puro, stile e tecnica e persino contenuto e poi c’è la musica che davvero non si può dire altro che: BOOM. Una bomba che esplode e lancia schegge impazzite, EL-P che sveste i panni dell’innovatore avanguardista e gioca a fare il b-boy degli anni 80 con la testa nel futuro che verrà. Il disco suona esattamente come suonerebbe la Bomb Squad in scontro frontale con il Southern Rap più grezzo e coatto, dopo aver caricato per strada qualche produttore ragazzino tutto hit-hat acide e plug-in roland scaricati illegalmente. Attitudine Old School e contemporaneità a pacchi da un quintale.

JULIA HOLTER - Ekstasis

Già il disco dell’anno precedente era una di quelle robe che dicevi: Uà e questa chi è?? Questo Ekstasis è semplicemente la sintesi imprescindibile tra leggiadria Pop e anarchia avanguardista. Una matta che pensa un disco come fosse un operetta e in cui ci senti accenni sia di musica “da camera” che musica da cameretta, di quella che fanno i teen-ager nerd di oggi con il proprio computer ed in cui riversano tutto il loro angst interiore. Evocativo e sognante come pochi ma mai oltre il limite dell’eccessivo, c’ha un passo Drone qui e lì ma te ne accorgi solo dopo. Musica altissima e al contempo popolare e semplice come non ricordo mai di aver ascoltato.

TWIGS - EP

Quelli bravi dicono che gli EP dovrebbero stare in classifiche a parte, il fatto è che questa roba è forse la cosa più fresca e nuova ascoltata nell’intero anno, un suono ed una voce che afferrano in un palmo di mano tutto e lo rilanciano come qualcosa in grado di descriverti quel che succede dentro e fuori da te, che ci sia dietro un’abile operazione virale e del gran marketing musicale è piuttosto chiaro, quel però che aleggia intorno a TWIGS è ben diverso da quanto visto in azione per nomi quali la più mainstream Lana Del Rey o la più Indie Grimes. Uno scarno tumblr lanciato attraverso i giusti canali web, quattro video tra l’ammiccamento conturbante e l’esperimento di street art ma soprattutto una musica sensualissima e tetra, strana mistura tra suoni urbani più Pop e staffilate glaciali da dancefloor underground, il tutto sopraffatto da una voce che afferra, rapisce e porta via lontanissimo. TWIGS è lì lì dal divenire la next big thing della musica inglese. Per ora reperibile in un EP in vinile scarnissimo, o anche in formato digitale su due siti due, contenente i brani protagonisti dei 4 succitati video. Video gran belli tra l’altro, la semplicità dell’underground di matrice street che ci piace.

HOLY OTHER - Held

Qui si entra in zona polemica con me stesso, nel senso che il disco in questione non è che mi abbia convinto quanto avrei voluto, eh già…voluto, perché poi è tutto un fatto di aspettative che rovinano la vita. Il fatto è che la Triangle Records quest’anno mi ha spappolato e tagliuzzato il cuore per poi rimontarlo neanche troppo bene e quindi questo disco ci sta anche a rappresentanza di quel loro suono umido e denso che ho letteralmente adorato. “Held”, un disco che in parte conferma e in parte amplia il già sentito, anche se non quanto ci si sarebbe aspettati. Un suono umido, ovattato eppure caldo e profondissimo, in equilibrio tra l’R’N’B filtrato degli ultimissimi tempi, la dub-step sottovuoto del post Burial e una nuova idea di conturbante ambient. A suo agio tra ritmi sedati e armonie di sfondo capaci di arrivare d’incanto in prima linea, battuta bassa che sa di vecchia scuola Trip e nuove tendenze Witch, ma sono solo vaghi richiami. Raramente si accelera e quando lo si fa c’è rimpianto per non aver osato di più, ampliando uno spettro già cosi personalissimo ed identitario ma forse ancora un po’ troppo ristretto, specie alla prova sulla lunga distanza.

SÃO PAULO UNDERGROUND - Três Cabeças Loucuras

Rob Mazurek è uno di quei jazzisti a cui star dietro è impossibile, però provarci val quasi sempre la pena. Se fai Jazz a Chicago finisce per esser normale che avrai una deriva Free, di gente libera da preconcetti e steccati come lui nel Jazz contemporaneo ve ne sono però davvero pochi e ancor di meno vogliosi e capaci come lui di mollare tutto il già fatto e ripartire da zero. Descrivere un disco del genere è impossibile: Post-Tropicalista? Ma direi un po’ Post-quel che vi pare a voi, questo è quel che di contomperaneo dovrebbe realmente avere il jazz oggi: una matrice di partenza, in questo caso il Brasile più o meno tropicalista, una attitudine completamente Free e per il resto solo un calderone di idee tutte insieme, amalgamate con passione e senza l’urgenza che tutto per forza risulti coerente. Tecnicamente sarebbe un disco uscito a fine 2011 ma in Europa è arrivato nel 2012 e in ogni caso chi se ne frega.

FUORI PER UN SOFFIO:

HOW TO DRESS WELL – TOTAL LOSS

Compagno di label di Holy Other: R’N'B subacqueo, un Michael Jackson in naftalina, possibili sviluppi futuri imprevedibili e amorevoli

KENDRICK LAMAR – GOOD KID, M.A.A.D CITY

Volete sapere cosa è il suono Hip-Hop nel 2012? Eccovi la risposta, questo disco è un bignamino di tutti le variazioni del genere fatto con stile, classe e competenza, probabilmente troppo privo di personalità e identità per essere davvero un capolvoro. Il ragazzo però è tanto giovane e si farà.

VESSEL – ORDER OF NOIZE

Pure lui di casa Triangle Records come Holy Other e How to Dress Well ma dal suono per nulla umido e sensuale. Elettronica affilata e seghettata, spirito ludico e sentieri inesplorati in cui muoversi a tentoni ma con coraggio e talento. il vero grosso nome nuovo dell’elettronica mondiale.

EPROM – METAHUMAN 

Tutto quel che sono oggi i tracciati dance più variegati condensati in un solo disco, impossibile star fermi sia con il corpo che con il cervello, una delle sorprese più piacevoli dell’anno.

PHOTEK – DJ KICKS 

Semplicemente la compilation più commovente degli ultimi 10 anni di dance musuc, di una bellezza da restare ammaliati. Cultura e calore.

FLYING LOTUS – UNTIL THE QUIET COMES

Il disco è bello e suona che è un piacere però è un album di conserva e consolidamento da parte di quello che da molti viene, e a ragione, considerato un faro della scena variamente elettronica attuale. La sensazione è che abbia messo dei paletti su ogni segmento del suo stile e provato ad accennare idee nuove ma senza volerle approfondire più di tanto. Quel che emerge è che il nipote di Alice Coltrane, pur non avendolo come perno del suo dna sonoro, subisca una enorme fascinazione per le forme pop e sia alla perenna ricerca di una nuova e personale forma di R’N’B. Poi lo ascolti live e scopri che è già altrove ma proprio altrove altrove. Il risultato é piacevolmente spaesante: attitudine ed impronta Techno fanno da sfondo a ritmiche Electro e battute Hip-Hop dallo stile riconoscibile, il tutto infarcito da rumorismi elttronici che rimandano al periodo d’oro della Warp, un frullato di coerenza e vitalità pazzesche. Flying Lotus is the man, no way.

ROC MARCIANO – RELOADED

Uno dei migliori rapper viventi, uno che sciorina storie con densità da intellettuale, credibilità di strada e tecniche maestre, in più ha questa sensibilità musicale che lo porta ormai a rappare su tappeti di suono black, più che reale musica Hip-Hop: un sample, un’atmosera, una linea di basso e poi via giù con un fiume di rime. Artista di spessore enorme.

MATT ELLIOTT – THE BROKEN MAN

Forse altrove nella sua discografia c’è di gran meglio, questo però è uno dei suoi album con l’amalgama migliore ed una dolorosa e lancinante compattezza, perché si, questo è l’album del dolore ed un brano meraviglioso come “If Anyone Tells Me “It’s Better to have Loved and Lost than to Never have Loved at all” I will Stab Them in the Face” ne è sintesi perfetta, ben al di là del folgorante titolo.

HEROIN IN TAHITI – DEATH SURF 

Il disco italiano più originale, personale e sorprendente ascoltato dal sottoscritto da innumerevoli anni. Un rotolare denso, apparentemente lineare ma stratificato e con un calore notevole. il miglior prodotto di quella frizzante fucina creativa che è la crew romana che va sotto il nome di Borgata Boredom

A PLACE TO BURY STRANGERS – WORSHIP

Un disco rock vagamente noise che non si inventa nulla ma che suona come meglio non potrebbe, con nemmeno una mezza nota fuori posto e risultando perfino orecchiabile, un mezzo miracolo da parte di una band considerata dal sottoscritto sempre piuttosto sopravvalutata.

MARK LANEGAN – BLUES FUNERAL

Ci son momenti in cui non ti serve altro che un disco blues e questo è il disco blues del 2012, c’è poco da fare. In altri momenti mi avrebbe probabilmente annoiato a morte va però detto che dato che Tricky è mezzo morente e comunque fa altro, il vero blues contemporaneo è questo qui.

NORAH JONES – LITTLE BROKEN HEARTS

Danger Mouse è un genio questo si sa, una specie di Re Mida che oltre a far fare un sacco di soldi a quelli che produce ne migliora e rende godibile anche il suono, vedere i Black Keys tanto per dire. Qui il miracolo è vero perché Little Broken Hearts è semplicemente il miglior disco mainstream dell’anno, una vera gemma Pop: graffiante, sensuale, dolce e aggressivo quanto basta.

AZEALIA BANKS – 1991 EP

Azealia Banks ora come ora è quanto di più cool ci sia in giro nel panorama musicale pop, sul fatto che fosse anche interessante musicalmente però i dubbi erano leciti, il mixtape Fantasea era poco più che carino, nonostante presenze di calibro in cabina di regia, con suoni all’insegna del “niente di nuovo sotto il cocente sole urban-dance”, utili però a mettere in mostra le doti da mc puro e discreta vocalist. Il successivo singolo 212 aveva non di meno fatto drizzare le antenne a molti per quella insolita unione di cassa dritta e rapping cadenzato. A quello si aggiungono 3 brani che vanno a formare questo 1991 ep ed è bene essere chiari fin da subito: la ragazza ha sostanza musicale solidissima. Azealia Banks rappa come un mc navigato e per di più a metà tra uno stile old school e quel po’ di timbro secco molto Uk Grime che certo ricorda molto lo stile di Missy Elliot ma lo fa su musiche che sanno di house primi anni 90, venature progressive e quel suono melò che fa tanto Nightcrawlers e Crystal Waters, progetto musicale quest’ultimo a cui si rifà, occasionalmente, anche esteticamente. Quando vuole poi canticchia come si deve e allora tutte a casa. Azealia Banks non è soltanto una che si vende bene, buca il web, e mette in mostra i doni di madre natura quando e come può, Azealia Banks IS THE NEW BLACK!!

NENEH CHERRY AND THE THING – THE CHERRY THING

L’idea di prendere dei brani lontani anni luce dal proprio immaginario musicale e farci delle cover è una di quelle cose da stimare a prescindere, foss’anche solo per il coraggio e la follia insite. Il fatto di farle in chiave jazz, anche vagamente free, e cucirci attorno quello che probabilmente è il disco più sorprendente e inatteso dell’anno rende il tutto sublime e incommentabile. Neneh Cherry torna dopo anni di silenzio e collabora con I The Thing per un disco di cover solo sulla carta, tanto e bene sono traslati  improbabili brani quali: “Dream baby dream” dei Suicide, “Too tough to die” di Martina Topley-Bird (praticamente la sua figlioccia artistica), “Accordion” di Madvillain, “Dirt” degli Stooges ed un paio di pezzi di Don Cherry eOrnette Coleman.

E poi basta davvero che mi sarei anche annoiato, ci sarebbe pure altra roba ma non me la ricordo e comunque chissà quanto mi staranno odiando quei due gatti che si son letti tutto sto papiro fino alla fine.

Una doverosa puntualizazzione però va fatta: che fine hanno fatto TAME IMPALA, ANIMAL COLLECTIVE, ALT-J e DJANGO DJANGO? Suvvia ma quelli sono dischi per far colpo sulle ragazze…belli eh, però su, siamo seri, che poi sta storia che Centipede degli Animal Collective tribalismo qui, africanismo bah, mah…secondo me un disco migliore e con quell’apporccio lì i Cafè Tacuba lo avevano già fatto nel ’99. Ok, momento snobismo nerd portato a compimento.

1) Holy Motors di Leos Carax

Che lo si sia amato o odiato poco importa, il ritorno del folle Carax è, senza dubbio, ciò che ha segnato maggiormente questo 2012. Esibizionista e ridondante per alcuni, visionario e omnicomprensivo per molti, Holy Motors è L’uno nessuno e centomila cinematografico degli anni ’10. La storia di tutte le non storie possibili, talmente oltre la post-modernità da sembrare il vero nuovo classico. Un’opera da vedere a tutti i costi, imprescindibile.

2) Moonrise Kingdom di Wes Anderson

Il definitivo capolavoro di un autore spesso sopravvalutato, qui capace di sintetizzare i suoi eccessi di stile e colorare le sfumature, spegnere l’aurea intellettuale e snob di tutto il suo cinema e accendere una squisita e contagiante leggerezza. Una storia d’amore dai contorni e dai modi adorabili.

3) Beasts of the Southern Wild di Benh Zeitlin

Una esplosione di umanità. Il cuore sommerso di chi tira dritto senza sosta e con fierezza perché guidato da innocenza e purezza. Una bambina con dentro tutto un mondo e un popolo. Ricostruire fuori da sé partendo dentro di sé. Opera prima di genuina bellezza, imperfetta perché libera, lontano anni luce dalle paludi stantie del cinema indie a stelle strisce perché indipendente prima di tutto nella testa e nel cuore.

4) Tabu di Michel Gomes

Il cinema delle origini, nuovo e splendente, non il rifugio malinconico verso ciò che fu bensì la potente dichiarazione politica dell’impossibilità di un altro cinema possibile. L’alba di un nuovo e vecchio raccontare per immagini pure.

5) The Grey di Joe Carnahan

Il freddo e il vento che soffiano in un anima silente e morente. La tragedia che si perpetua notte dopo notte e trascina via i giorni. L’altruismo in momenti di disperazione come unica via verso un’impossibile rinascita. Cinema oscuro, assoluto e potentissimo, i migliori primi 30 minuti dell’ultimo ventennio di cinema americano, talmente potenti da rendere quasi minore il prosieguo che tra sopravvivenza estrema porta a un finale di straordinario lirismo. Il cinema americano che non c’è più tra le tracce del genere e verso una nuova e agognata “New-Hollywood”.

6) Final Cut: Ladies & Gentlemen di György Pálfi

Il mash-up filmico definitivo o, perlomeno, la testimonianza di quanto il suddetto approccio possa riservare sorprese e potenzialità assolute. Immaginate una storia d’amore raccontata utilizzando spezzoni di centinaia di film, tra i più amati della storia del cinema, una storia vera, fatta di gesti, momenti ed emozioni, tutto questo è lo strardinario lavoro prodotto da Béla Tarr. Indescrivibile e commovente, il cinema del cinema, semplicemente geniale.

7) No di Pablo Larrain

Una ricerca sull’estetica vintage attenta ma priva di sterile fascinazione retrò; una scelta visiva forte e contestualizzata di grande efficacia, capace di raccontare la liberazione e nascita di un paese sull’onda di un’esplosione di modernità.

8) Good Vibrations di Lisa Barros D’Sa & Glenn Leyburn

Opera di grana grossa ed emozioni forti, spreme ogni analogicità possibile da una pellicola dai toni caldi in cui sono impresse emozioni e passioni irrefrenabili. Raro esempio di film sulla musica con il tiro giusto, con la musica protagonista ma non assoluta, strumento e veicolo di vite alla ricerca di identità e libertà

9) Looper di Rian Johnson

Rian Johnson, con Lucky McKee ed Harmoni Korine, è il talento più anarchico e ingestibile del cinema americano, autore e mestierante con tante idee da fare spesso a cazzotti tra loro. Qui tira fuori un gioiello mascherato da sci-fi rabberciata e di serie b con andatura e toni da comic-movie come si dovrebbe. Un film con l’aria sfigata ma bello per quello. Idee notevoli e originali come se piovessero. Un cinema che ti offre sempre quel qualcosa di personale ma che per questo è capace di parlare a tutti ridendo di se stesso e della post-modernità.

10) Nuit Blanche di Frédéric Jardin

Un ritmo serratissimo dal primo all’ultimo minuto, una forma asfissiante, un girato e un montato grezzi e sporchi ma efficacissimi, una fisicità dolorosa e percepibile, primi piani come cazzotti in faccia e camere a spalla che inseguono forsennate. A suggellare il tutto, una geometria e geografia strabilianti, con un andare e rivenire negli stessi luoghi che ha dell’incredibile. Una perla che lascia senza fiato.

Uno scarno tumblr lanciato attraverso i giusti canali web, due video tra l’ammiccamento conturbante e l’esperimento di street art ma soprattutto una musica sensualissima e tetra, strana mistura tra suoni urbani più Pop e staffilate glaciali da dancefloor underground, il tutto sopraffatto da una voce che afferra, rapisce e porta via lontanissimo. TWIGS è lì lì dal divenire la next big thing della musica inglese.

AGGIORNAMENTO:

Oggi 5 dicembre 2012 sono stati rilasciati sul tumblr di Twigs due nuovi video di altrettanti nuovi pezzi che vanno a comporre, insieme con i due precedenti, un EP acquistabile su Bandcamp o Boomkat. In calce all’articolo i vecchi e nuovi video.

R’N'Bass alla conquista dell’Inghilterra.

In questi giorni viene pubblicato l’esordio sulla lunga distanza, “Held”, un disco che in parte conferma e in parte amplia il già sentito, anche se non quanto ci si sarebbe aspettati. Un suono umido, ovattato eppure caldo e profondissimo, in equilibrio tra l’R’N’B filtrato degli ultimissimi tempi, la dub-step sottovuoto del post Burial e una nuova idea di conturbante ambient. A suo agio tra ritmi sedati e armonie di sfondo capaci di arrivare d’incanto in prima linea, battuta bassa che sa di vecchia scuola Trip e nuove tendenze Witch, ma sono solo vaghi richiami. Raramente si accelera e quando lo si fa c’è rimpianto per non aver osato di più, ampliando uno spettro già cosi personalissimo ed identitario ma forse ancora un po’ troppo ristretto, specie alla prova sulla lunga distanza.

I tempi degli esordi, con il suo Hip-Hop imbastardito e contorto, di forte impronta Dilliana, hanno lasciato il posto ad un’ idea di suono globalizzante, in cui anime differenti convivono in una compressione di ritmi ed armonie pronte ad implodere ed esplodere con un approccio progressista e progressivo che colpisce per profondità. Uno show idealmente diviso in tre sezioni: una prima più di improvvisazione ed una seconda più incentrata sull’esecuzione di materiale proprio leggermente rivisitato, in cui in pieno spirito da gira manopole lavora su bozze e pattern da smontare e rimontare. Il risultato é piacevolmente spaesante: attitudine ed impronta Techno fanno da sfondo a ritmiche Electro e battute Hip-Hop dallo stile riconoscibile, il tutto infarcito da rumorismi elttronici che rimandano al periodo d’oro di quella Warp in cui Flying Lotus ha trovato la casa ideale.

Ultima parte dello show dedicata all’esecuzione di materiale altrui, reso spesso proprio dall’attitudine giocosa di cui sopra. Da una trascinante “Niggas In Paris” di Kanye West e Jay Z si passa al rapping in auto-tune di “Headlines” di Drake, saltando poi a “Backseat Freestyle” di Kendrick Lamar, tra i talenti più cristallini emersi di recente nel panorama Hip-Hop, l’eterea “Im God” di Claims Casino e la commemorativa “Intergalactic” dei Beastie Boys. Uno show ammaliante ma che aumenta ancor di più la sensazione espressa in sede di recensione di Untill The Quiet Comes: le sue creazioni sembrano essere solo un accenno di quel che potrebbero essere, tante e tali sono le idee contenute in una sola testa.

L’alternarsi tra reale e falso si fa colonna trainante quando il cinema nel cinema entra in gioco: la creazione filmica come strumento di azione e risoluzione di problemi reali, una falsa creazione, destinata a morire prima ancora di nascere. Qui sta la forza di un cinema eminentemente politico che afferma la necessità dell’agire e con leggerezza e tono brioso trasforma i proclami ideologici e nazionalistici in fantascienza volta a distruggere la realtà che amplifica e romanza, un cortocircuito ed un gioco di specchi narrativi di rara efficacia.

Altro non c’è sulla nave spaziale Argo, Affleck si adagia su stili didascalici una volta radicalizzato lo strumento del fare cinema, incapace di indagare gli uomini dentro la storia e le storie, quasi fossero essi stessi personaggi di una sceneggiatura di genere e consumo o mestieranti di una industria adagiata su stilemi collaudati. Peccati forse veniali per un cinema ed un autore coraggioso e forte benché imperfetto e ancora non pienamente maturo e padrone dei propri mezzi.

Dopo il disco a nome Blood Orange uscito lo scorso anno, in cui tra passaggi a vuoto e folgoranti revivalismi ’80s illuminava il campo la magnifica Sutphin Boulevard, Hynes oggi si divide tra cover personalissime, produzioni e arrangiamenti per il gotha dell’elitarismo pop d’oltreoceano ma soprattutto la cura musicale di “True”, disco di prossima pubblicazione a nome Solange Knowles, sorella maggiore della più nota Beyonce e di cui è già in giro da un po’ il bel videoclip del singolo “Losing You” diretto da una sempre più ispirata Melina Matsoukas. Capace tanto di dissolversi in un inconcludente presente quanto di librarsi in un radioso futuro, Devonté Hynes sembra incarnare come pochi la decadente urgenza espressiva delle metropoli occidentali. Lacrime e sorrisi in tempo di crisi.

Capace di suonare vecchio e nuovo al tempo stesso, qui risiede il fascino di un disco da ascoltare più di pancia che di testa. Se Chesnutt nel futuro si adagerà su sicurezze Pop o lascerà sfogare le derive Folk e Psych, qui rimaste piuttosto sotto traccia, è impossibile prevederlo, rimane un artista dall’alto potenziale ma ancora tutto da scoprire.

Il dramma è dietro l’angolo, il bimbo sta male, molto male, si direbbe quasi spacciato. L’odissea medica però non spaventa i due amanti che si imbarcano in una corsa folle, disperata ma vitale quanto l’amore che li unisce.

La Guerra è Dichiarata è esattamente questo: una corsa incontro ad una vita che sta per sfumare, un continuo, necessario movimento per rimanere ancorati alla propria di vita, quasi che fermarsi equivalga ad esser divorati dal dolore. La straordinarietà dell’opera seconda della Donzelli sta nell’essere ansiogena quanto inevitabilmente deve, mirabile nel saper mantenere costante la presenza ed il senso di bisogno e necessità dell’amare, all’interno del dolore. Stilisticamente mai banale, con trovate originali ed una alternanza di stili e registri sorprendentemente equilibrata. Una gemma, parzialmente offuscata da voci fuoricampo in vero superflue e un leggero manierismo che affiora in certe sequenze il cui stile si spinge forse troppo artificiosamente in là, spezzando talvolta l’agile equilibrio generale.